Investigación y propuesta de obras para Sr. Alan Zayat
Estimado Alan,
Me permito compartirte la selección de obras y propuesta que hemos preparado. Se proponen piezas de enorme exclusividad de Richard Serra, tanto para interior como para un jardín escultórico, cuya concepción sugerimos al estilo de los museos de la isla Naoshima en Japón, donde arte, arquitectura y naturaleza conviven en armonía. Por supuesto, cuentas con la galería para hacer propuesta museográfica del nivel que este tipo obras requieren. En ese mismo entorno, planteamos una escultura monumental de Bernar Venet como contrapunto preciso—de gran fuerza, sofisticación y valor—en diálogo con la obra de Serra.
Richard Serra
Every Which Way, 2015
Acero patinable
Dieciséis losas
• Cinco losas, cada una: 3.4 m × 1.8 m × 29.9 cm
• Seis losas, cada una: 2.7 m × 1.8 m × 29.9 cm
• Cinco losas, cada una: 2.1 m × 1.8 m × 29.9 cm
Dimensiones totales: 3.4 m × 16.3 m × 6.4 m
$18,000,000
Texto curatorial:
Ampliamente reconocido como uno de los artistas más influyentes del siglo XX y XXI, Richard Serra (1938–2024) fue conocido por sus esculturas monumentales de acero, que investigan el peso, el volumen y la escala, así como su efecto en el espectador. La búsqueda de estas preguntas a lo largo de su celebrada carrera exploró las posibilidades de la escultura y su capacidad para articular la forma y el espacio.
A partir de mediados de los años sesenta, Serra comenzó a utilizar materiales industriales como fibra de vidrio, caucho, plomo y—desde principios de los setenta—acero laminado en caliente y acero forjado, para realizar esculturas que enfatizan el peso, la escala y la forma. Muchas de sus obras son estructuras autoportantes que dialogan con su entorno específico, así como con la relación entre la obra, el sitio y el espectador.
Every Which Way (2015) está compuesta por dieciséis paneles verticales de acero patinable (weathering steel), cada uno de seis pies de ancho (1.83 m) y doce pulgadas de grosor (30 cm). Estos paneles se presentan en alturas variables—de siete, nueve u once pies—y están dispuestos en una cuadrícula irregular que se expande por el espacio expositivo.
Como lo describió el propio Serra:
“En Every Which Way, primero enfrentas la frontalidad de cada agrupación de placas, y luego giras, dependiendo de cuánta atención prestes. Se te conduce a hacer un desplazamiento horizontal, en lugar de simplemente caminar en diagonal o en línea recta. Girar, caminar hacia atrás, deslizarte entre los espacios… eso sucede mucho en [mis obras de este periodo]. Además, debido a su verticalidad—cinco de las dieciséis losas miden once pies de alto—Every Which Way tiene una referencia arquitectónica más evidente que piezas anteriores… Siempre está allá, no aquí. Incluso cuando estás justo frente a ella, siempre se te escapa… Como [una] ciudad, Every Which Way te obliga a hacer contra-movimientos, giros y vueltas continuamente.”¹
Every Which Way ejemplifica el concepto de intervalo, propuesto por Serra:
“En [obras anteriores como] Inside Out (2013) y Junction (2011), tienes múltiples opciones—llamémoslas intervalos. En piezas anteriores entras y sales, y no hay decisiones reales que tomar; tus pasos son guiados por el camino. Junction es probablemente el primer ejemplo de una pieza curva donde llegas a un intervalo, un punto de decisión… [o] una ruptura que conecta. En arquitectura, uno es guiado por conexiones definidas por su utilidad. Eso es lo opuesto exacto al intervalo en mis obras recientes; no hay función, solo decisión. El intervalo rompe tu cadencia. Tu percepción depende de cómo camines; si cambias de dirección, tu percepción cambia. Si tienes que tomar una decisión sobre la dirección, eso se convierte en pensamiento… El intervalo es una pausa, un breve momento en el que te detienes a pensar o actuar. Pero no es un momento de centrado; en estas piezas, sigue sin haber un centro.”²
Con sus paneles escalonados de distintas alturas, Every Which Way se relaciona con el interés de Serra por emplear elevaciones relativas—diferencias de altura y topografía. Como señaló:
“Las piezas de elevación como [Intervals (2013)], Ramble (2014) y [la presente obra] Every Which Way (2015) tienen su origen en Pulitzer Piece (1970–71), que corta el paisaje con elevaciones. Interval está relacionada con la elevación del plano en relación con el nivel de los ojos. A medida que las placas se abren lateralmente y se desplazan verticalmente, se te invita a moverte transversalmente, hacia adelante y de arriba abajo. Ese efecto se repite en Ramble, donde los agrupamientos de placas son tan densos que puedes perderte. En Every Which Way, el intervalo se refuerza mediante placas verticales que se elevan varios pies por encima del nivel de los ojos, ralentizando o incluso deteniendo tu movimiento, y puede que te hagan girar de lado o incluso retroceder.”³
Esta obra ofrece múltiples caminos de circulación a través de los cuales se puede experimentar tanto ella misma como su entorno. Every Which Way sintetiza de forma única el orden estructural con el elemento de elección abierta, fomentando una interacción activa y democrática entre el cuerpo, la escultura y el sitio.
Richard Serra
Triple Rift #1, 2017
Barra de óleo sobre papel japonés hecho a mano en cuatro (4) partes
119 3/4 × 258 3/4 pulgadas
304 × 657.1 cm
Enmarcado: 125 × 268 1/2 × 3 3/4 pulgadas
317.5 × 682 × 9.5 cm
$2,500,000
Conocido por sus esculturas monumentales y específicas para el sitio, Richard Serra (1938–2024) produjo dibujos de manera constante a lo largo de su carrera. A partir de 1971, el artista utilizó paintstick negro (una mezcla comprimida de óleo, cera y pigmento) para crear dibujos que se resisten resueltamente a cualquier asociación metafórica o emotiva, pero que manifiestan las nociones de tiempo, materialidad y proceso que caracterizan su práctica en su conjunto.
Los Rifts de Serra (2011–2018) se encuentran entre las obras sobre papel de mayor formato del artista. Estos dibujos de escala instalativa están realizados con paintstick negro denso, aplicado en capas texturadas sobre dos, tres o cuatro grandes hojas de papel japonés hecho a mano. Entre ellas quedan visibles “grietas” estrechas de blanco sin marcar, así como las líneas de ruptura entre cada hoja. Triple Rift #1 está compuesto por cuatro hojas que en conjunto forman una composición horizontal expansiva que atraviesa el muro. Los Rifts son estudios de masa, estructura y volumen en dos dimensiones, que simultáneamente llaman la atención sobre el espacio físico del espectador e inciden en su percepción.
En estas obras, describe el historiador del arte Neil Cox, “Serra [continuó] trabajando como dibujante a gran escala. Estos polípticos, dibujados con bloques preparados de paintstick negro cáustico, hechos sobre enormes hojas de papel japonés artesanal, se mostraron por primera vez en 2011. Están articulados por ‘grietas’, triángulos verticales muy delgados donde el papel se deja en blanco, intersecciones que marcan el punto de división entre las hojas que los componen… Los dibujos Rift son presencias formidables; típicamente miden al menos 2.5 metros de alto, por lo que resultan gigantescos en comparación con el espectador de pie, y entre 5 y 6 metros de ancho, por lo que son capaces de dominar el campo visual.”¹
El propio artista también señaló: “Usar el negro es la forma más clara de marcar sobre un campo blanco… También es la forma más clara de marcar sin crear significados asociativos. Se puede cubrir una superficie con negro sin correr el riesgo de lecturas metafóricas u otras interpretaciones erróneas. Una [superficie] cubierta de negro sigue siendo una extensión del dibujo en tanto que es una extensión de la marca. El uso de cualquier otro color sería una extensión de la coloración, con sus inevitables alusiones a la naturaleza. Desde Gutenberg, el negro ha sido sinónimo de procedimiento gráfico o de impresión. Me interesa la mecanización del procedimiento gráfico; no me interesa el gesto pictórico alusivo.”²
¹ Neil Cox, “The Shape of Feeling,” en Richard Serra: Drawings 2015–2017. Cat. exp. (Nueva York/Göttingen, Alemania: Gagosian/Steidl, 2017), p. 14.
² Richard Serra, “Notes on Drawing,” en Richard Serra: Drawings/Zeichnungen 1969–1990. Cat. exp. y cat. razonado (Berna: Benteli, 1990), p. 11.
Richard Serra
Borges, 2001
Barra de óleo sobre papel
98.4 × 101.6 cm
Enmarcado: 107 × 108.6 × 5.7 cm
$650,000
Texto curatorial:
Conocido por sus esculturas monumentales y específicas para el sitio, Richard Serra (1938–2024) produjo dibujos de manera constante a lo largo de su carrera. A partir de 1971, el artista utilizó paintstick negro (una mezcla comprimida de óleo, cera y pigmento) para crear dibujos que se resisten resueltamente a cualquier asociación metafórica o emotiva, pero que manifiestan las nociones de tiempo, materialidad y proceso que caracterizan su práctica en su totalidad.
La obra presente forma parte de una serie de dibujos realizados entre 2000 y 2002, titulada colectivamente “Line Drawings” (Dibujos de línea). Estos dibujos se distinguen por masas de paintstick aplicadas en capas texturadas y formas circulares, rodeadas de salpicaduras y frotaciones de pintura dispersas. Para producir estas obras, Serra vertía paintsticksobre una superficie dura y, tras colocar encima una hoja de papel cuadrado, utilizaba un estilete romo para trazar líneas curvilíneas. Como señala Hilary Wilder, los Line Drawings de Serra “no sugieren masa, sino que denotan un trayecto casi continuo. En cada uno de estos dibujos, las marcas se enrollan en bucles concéntricos que nunca llegan a fusionarse para formar una mancha amplia. Su identidad como línea les permite mostrar movimiento y dirección, y… contienen una especie de estallido centrífugo de paintstick… Cada uno posee tal materialidad que se pueden describir en términos casi topográficos; desde distintos ángulos, incluso oblicuos —desde los cuales la mayoría de los dibujos se volverían incomprensibles o simplemente desaparecerían—, revelan nueva información visual.”¹
1Hilary Wilder, "Shunning Statement," in Barry Walker, Jasper Johns and Richard Serra: Drawings from a New York Collection (Houston: The Museum of Fine Arts, 2004), pp. 12-13.
Richard Serra
Backstop (Para Thurman Munson), 1987
Acero Corten
Dimensiones totales: 378.5 × 379.7 × 26.7 cm
Cada placa: 269.2 × 134.6 × 5.1 cm
Obra única
$19,000,000
Texto curatorial:
Backstop (Para Thurman Munson) ejemplifica la radical redefinición de la escultura emprendida por Richard Serra como una experiencia tanto espacial como física. Creada en 1987 y dedicada al fallecido jugador de béisbol Thurman Munson, la pieza evoca a la vez un monumento y una barrera—un homenaje imponente pero silencioso a la resistencia y la presencia.
Compuesta por dos enormes placas de acero Corten, la escultura involucra al espectador no solo de forma visual, sino corporal. El característico uso de materiales industriales y escala monumental por parte de Serra invita a una confrontación directa con la gravedad, el equilibrio y la masa. La superficie oxidada del acero, continuamente transformada por el tiempo y el entorno, subraya el interés duradero del artista en la entropía y la permanencia.
Esta obra única es una meditación sobre la memoria y la mortalidad, tanto como una poderosa intervención en el espacio. Se erige como testimonio de la convicción de Serra de que la escultura debe desafiar, anclar y transformar nuestra forma de habitar el mundo. Backstop sería extraordinaria en un entorno de jardín contemplativo—idealmente dentro de un pabellón diseñado en colaboración con un arquitecto mexicano de renombre, al estilo de los museos de Naoshima en Japón, donde arquitectura, naturaleza y arte convergen en perfecta armonía.
Richard Serra
Nine, 2019
Acero forjado, nueve cilindros
Dimensiones (alto × diámetro):
213.4 × 194.9 cm
198.1 × 202.6 cm
182.9 × 210.8 cm
167.6 × 218.4 cm
152.4 × 231.1 cm
137.2 × 243.8 cm
121.9 × 259.1 cm
108 × 274.3 cm
97.2 × 289.6 cm
$17,000,000
Texto curatorial:
El peso es un valor para mí —no porque sea más atractivo que la levedad, sino simplemente porque sé más sobre el peso que sobre la levedad, y por lo tanto tengo más que decir al respecto: más que decir sobre el equilibrio del peso, la disminución del peso, la suma y la resta del peso, la concentración del peso, el montaje del peso, el apuntalamiento del peso, la colocación del peso, el bloqueo del peso, los efectos psicológicos del peso, la desorientación del peso, el desequilibrio del peso, la rotación del peso, el movimiento del peso, la direccionalidad del peso, la forma del peso.
— Richard Serra
Propuestas alternativas:
Bernar Venet
Indeterminate Line, 2012
Acero Corten
Dimensiones:
269.9 x 343.9 x 198.1 cm
$875,000
Texto curatorial:
Reconocido internacionalmente por sus monumentales esculturas de acero, Bernar Venet (n. 1941, Francia) ha desarrollado una práctica artística profundamente ligada a las matemáticas, la física y el pensamiento lógico. Desde los años 60, Venet ha desafiado los límites de la escultura minimalista, proponiendo una estética donde el rigor formal convive con el azar, la fuerza estructural y el movimiento orgánico.
Indeterminate Line es parte de una de sus series más icónicas, iniciada en 1979, en la que el artista transforma la línea—elemento esencial del dibujo—en una presencia tridimensional y monumental. En esta obra, una viga de acero curvada describe una trayectoria libre, no predeterminada, cuya lógica parece desafiar las leyes del equilibrio y la gravedad. Su forma espiral, abierta y dinámica, se impone en el paisaje como una escritura abstracta que se rehúsa a ser leída de un solo modo.
A diferencia de sus series anteriores, como las Arcs o Angles, donde la estructura seguía cálculos precisos, las Indeterminate Lines exploran lo imprevisible. Venet ha descrito este gesto como una forma de “ceder el control”, permitiendo que la resistencia del material, la fuerza del acero y la acción de doblarlo generen un lenguaje visual autónomo. Cada curva, cada giro de la línea metálica conserva la memoria física del gesto, un registro visible del encuentro entre idea, materia y energía.
Ubicada en un entorno natural, la obra activa un diálogo directo con el paisaje. La geometría fluida de la escultura contrasta con la verticalidad de los árboles, el horizonte plano del césped, y la organicidad de la vegetación, creando una tensión entre lo natural y lo industrial, lo permanente y lo efímero. A medida que el espectador la rodea, descubre que la forma nunca se repite: la experiencia de la obra es cinética, cambiante, y profundamente corporal.
Como ha señalado el propio Venet:
“Una línea indeterminada no puede ser prevista, calculada ni definida por una fórmula. Es una forma de renunciar al control total y aceptar que el arte también puede ser una cuestión de equilibrio entre la razón y lo incierto.”
Indeterminate Line materializa ese equilibrio. En su aparente caos, revela una estructura interna precisa; en su gesto espontáneo, una lógica escondida. Es, en última instancia, una obra que invita a la contemplación activa, donde cada paso modifica la percepción, y cada ángulo ofrece una nueva posibilidad de lectura.
Isla Naoshima en Japón
Naoshima, santuario del arte contemporáneo, redefine la escultura monumental con obras como la Pumpkin de Kusama o las instalaciones de Walter De Maria, donde la simplicidad elegante y la integración con el paisaje elevan el arte a una experiencia sublime. Inspirado en este legado, nuestra propuesta busca trascender lo decorativo para convertirse en un hito poético: una escultura de gran formato que dialogue con el espacio y el espectador, fusionando materialidad perdurable y un lenguaje visual atemporal.